Como se aproxima el taller Fotografía Urbana con Layna Fernandez,  así que he decidido dedicar una entrada de blog a la  fotografía urbana que, teniendo en cuenta su amplitud, es una tarea difícil ya que tengo que reducir un repertorio de fotógrafos de la calle con talento y altamente cualificados a un número reducido que no hace justicia a los que han quedado fuera.

Supongo que la idea de la fotografía urbana evoca una imagen de París a principios del siglo XX en muchos de nosotros, «Le Baiser de l’Hotel de Ville» de Robert Doisneau es un prototipo de esta idea, y no es sorprendente que la ciudad sea considerada la cuna de esta rama de la fotografía. Henry Cartier-Bresson, Barssaï, André Kertész, Robert Doisneau y muchos otros recorrieron las calles de la bulliciosa ciudad en busca de capturar el momento e inmortalizar su mundo.

Personalmente me parece difícil distinguir la fotografía urbana de otros géneros, como el fotoperiodismo o la fotografía documental. Steve Edwards en su libro Photography: A Very Short Introduction afirma que la diferencia entre la fotografía urbana y la fotografía documental no es muy clara, sin embargo «En general, los fotógrafos [urbanos] que trabajan de este modo tienden a evitar los dos temas claves de documental – reportaje de guerra y la investigación social – aunque, en el caso de esta última categoría, la fotografía urbana tiene su raíz en los espacios de la clase trabajadora.»

He intentado investigar a algunos maestros de la fotografía del siglo XX que trabajaron como fotógrafos urbanos ya sea por medio de la documentación del entorno y sus habitantes, llevando un diario fotográfico de lo que vieron, contando una historia o simplemente entrenándose con la alegría de capturar lo que Henri Cartier-Bresson llamó el «momento decisivo». Al fin y al cabo, ninguna categoría es capaz de tener en cuenta todas las complejidades del ser humano, y de la sociedad en que vivimos aún menos. Estas complejidades se reflejan inevitablemente en las imágenes tomadas.

Eugène Atget

Aunque la fotografía urbana, tal como se entiende en el sentido tradicional, tiene su objetivo en la divulgación de la condición humana en lugares públicos, en lugar de centrarse en la arquitectura y los numerosos objetos inanimados que inundan el mundo habitado, quiero tomar un vistazo a la imágenes inquietantes y misteriosas del fotógrafo francés, Eugen Atget que estaba intrigado porque inmortalizó precisamente estas últimas características de París. Trabajó entre1890-1920, hasta su muerte en 1927, concentrando su atención en «lo poco espectacular, lo pasado por alto, las características anteriormente desatendidas de la vida cotidiana.» (A History of Photography, editado por Therese Mulligan and David Wooters)

No hablar de Atget sería un error tan grave como emitir la importancia de Paul Cézanne cuando se trata de la pintura moderna, que es una analogía interesante en sí misma. De hecho, considero que Atget influyo en muchos movimientos artísticos, como el surrealismo y la vanguardia. Tanto Cézanne como Atget están considerados los antepasados del realismo: Cézanne estuvo ensimismado por encontrar la esencia detrás del mundo visible, mientras que Atget centró su atención en la documentación de la cara de París que estaba en constante cambio, reconociendo la naturaleza efímera del mundo como él lo conocía. De este modo, los dos estaban luchando por la objetividad: Cézanne se apartó de los impresionistas que confiaron en sus sentidos y representaban una imagen altamente subjetiva del mundo; de modo parecido Atget dejó el pictorialismo detrás observando el mundo a través de su lente en vez de reinterpretarlo.

Atget nunca se vio a sí mismo como un artista; afirmó que él estaba documentando la ciudad sin interferir en ella, siempre luchando por la objetividad. En efecto, al abrir su estudio fotográfico en París en 1890, se anuncia a sí mismo como un fotógrafo de artesanía que proporcionó imágenes para ser reproducidas por los artistas. El propio Man Ray poseía unas cuantas fotos por Atget y popularizó su trabajo entre el círculo surrealista. A través de él, Berenice Abbott, la asistente de Man Ray en aquel momento, estableció relación con Atget, en quien encontró un alma gemela. Abbott reconoció inmediatamente el genio detrás de estas fotos y tras la muerte de Atget se reunió todo su trabajo y se convirtió en el único responsable de la popularización de la obra de Atget en Estados Unidos, llevándole fama póstuma en todo el mundo. Abbott encontró su propia voz en la documentación de la ciudad bulliciosa y cosmopolita de Nueva York, pero muchas de sus imágenes dan testimonio de la inmensa influencia de Atget en ella.

Henry Cartier-Bresson

Cartier-Bresson fue bendecido con un amor insaciable de la vida, que brilla a través de sus fotografías. Empezó a dibujar y pintar a una edad temprana y sólo se dedicó a la fotografía en 1932 después de ver la imagen Three Boys at Lake Tanganyika, tomada en la playa en Liberia por el fotógrafo húngaro Martin Munkácsi. Bresson dijo: «Para mí esta fotografía fue la chispa que encendió mi entusiasmo. De repente me di cuenta de que, al capturar el momento, la fotografía era capaz de alcanzar la eternidad. Es la única fotografía que me ha influido. Esta foto tiene tal intensidad, tal alegría de vivir, tal sensación de maravilla que me sigue fascinando hasta hoy.»

De hecho, comenzó produciendo imágenes asombrosas en todas partes. Su Leica III de 33 mm equipado con una lente de 50 mm se convirtió en una extensión de sus ojos, que es probablemente la razón por la que fue capaz de capturar algunas de las imágenes más icónicas del siglo 20. Su forma de trabajar también era peculiar: fue un cazador buscando el momento de euforia, pero con el fin de ser capaz de trabajar sin intervenir, tenía que ser como un gato – prácticamente invisible, caminando de puntillas elegantemente alrededor de sus sujetos.

Cartier-Bresso formuló la expresión «momento decisivo» que, según Steve Edwards, el fotógrafo «defino como el punto exacto en el que los detalles contingentes alinearon para crear un orden de composición perfecta.» Bresson creyó que el fotógrafo tenía que mirar y preguntarse acerca de lo que hay detrás de lo visible, no sólo identificar a sus sujetos. Sabía intuitivamente cuando el momento justo estaba por llegar y así fue capaz de capturarlo. Pero esta capacidad aunque podría ser innata, puede ser cultivada: presupone una inmensa concentración y enfoque en los alrededores. Bresson nunca salió con el fin de encontrar las fotos, él creyó que el fotógrafo tenía que estar allí y ser receptivo al medio ambiente, por lo tanto las fotos o los momentos decisivos le encontraron a él.

Tenía un estilo anecdótico y poético, con un elemento dramático que infundía en cada imagen que Bresson consideraba exitosa. El juego de luces y sombras es siempre una parte esencial de sus fotos, pero, más importante aún, él estaba interesado en la forma y la geometría. Cuando todas las formas llegaron a los lugares adecuados, la composición fue perfecta – y eso fue su “momento decisivo”. Continuó haciendo fotos hasta 1969, cuando regresó a su primer amor: el dibujo.

«Para mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, de la importancia de un evento, así como de una organización precisa de las formas que le dan ese evento su expresión adecuada.» Henri Cartier-Bresson

«Nuevos descubrimientos constantes en la química y óptica están ampliando considerablemente nuestro campo de acción. Depende de nosotros para aplicarlos a nuestra técnica, para mejorar nosotros mismos, pero hay un grupo amplio de fetiches que se han desarrollado sobre el tema de la técnica. La técnica es importante sólo en la medida en que se debe dominar para poder comunicar lo que se ve… La cámara para nosotros es una herramienta, no un bonito juguete mecánico. En el funcionamiento preciso del objeto mecánico tal vez haya una compensación inconsciente por las ansiedades e incertidumbres de las actividades diarias. En cualquier caso, la gente piensa demasiado acerca de las técnicas y no lo suficiente acerca de ver. «Henri Cartier-Bresson: The Decisive Moment (1952)

Lisette Model

Nació en Viena, de padre judío y madre católica. Como era de esperar de alguien que nació en Viena su primer amor fue la música, que estudió con el famoso compositor de vanguardia Arnold Schönberg antes de trasladarse a París para continuar sus estudios en este campo. Sin embargo, después de haber oído que no iba a ganarse la vida con esa carrera, decidió buscar una válvula artística diferente. En primer lugar, se dedicó a la pintura con el pintor surrealista y profesor André Lhote, y después aprendió fotografía de su hermana Olga, que era también una fotógrafo profesional.

En 1937, emigró a los Estados Unidos con su marido Evsa Model, donde contribuyó a revistas como Harper’s Bazaar, Cue, PM Weekly Look. Más tarde, comenzó a enseñar fotografía, y en 1951, fue invitada a dar clases en la New School for Social Research en Nueva York, donde también enseñaba Berenice Abbott. Model fue considerada una maestra carismática y dura, y su influencia en su alumna Diane Arbus es obvia, a pesar de que ella superó la fama de Model.

Model es más recordado por sus retratos de la gente en las calles, que parecen mostrar una cercanía a sus sujetos, a pesar de que había, de hecho, un par de metros de distancia entre ellos, pero cosecho sus imágenes en la postproducción. Representó sus sujetos dispares sin tratar de halagarlos, a veces mostrándoles una manera semi-grotesco, enfatizando las peculiaridades de la gente común en situaciones cotidianas y la influencia de la vida moderna en su vida y comportamiento. Sus otras series incluyen Running Legs y Reflexions en la ciudad de Nueva York.

«Nos rodean  nuevas imágenes por todas partes. Son invisibles sólo por la rutina estéril y el miedo. «Model Lisette

«A menudo me han preguntado lo que quería demostrar con mis fotografías. La respuesta es: no quiero demostrar nada. Las fotos me demuestran a mí, y yo soy el que se lleva la lección. «Lisette Model

«Soy un amante apasionado de la foto instantánea, porque entre todas las imágenes fotográficas esa es lo que más se acerca a la verdad… las fotos tomadas de esta manera tienen un aparente desorden e imperfección, lo que es exactamente su atractivo y su estilo» Lisette Model – desde una entrevista con Philip Lopate

Fan Ho

No puedo pensar en una imagen más icónica que Approaching Shadow tomada en 1954, donde el fotógrafo chino encontró una armonía extraña en el mundo geométrico, y sólo rompió esta unidad con la persona en la parte inferior, que está envuelto en y empequeñecido por este mundo, enfatizando la soledad que se encuentra en el mundo moderno de una manera dolorosamente elegante.

Nació en Shanghái, pero su familia emigró a Hong Kong cuando aún era joven, donde con la ayuda de una cámara Rolleiflex que le regaló su padre documentó las calles de la ciudad en los años 50 y 60, mientras que estaba en su camino de convertirse en una ciudad metropolitana. Su devoción a la fotografía se manifestó en que Fan Ho reveló sus películas en la bañera de la familia, así como en la extensa colección de maravillosas imágenes en blanco y negro que tomó, que hablan de un una visión fresca y una sensibilidad a la composición, la perspectiva y la forma. Hasta el día de hoy, su estilo se considera moderno e impactante. Sus fotografías han sido descritas como poéticas, dramáticas y líricas. La interacción entre la luz y la sombra crea una atmósfera que destaca el drama de sus sujetos modestos.

Él es también un aclamado director de cine y actor. Actualmente tiene su sede en California y Hong Kong. Para más información sobre Fan Ho y una entrevista detallada con el fotógrafo, pincha aquí.

«Quiero expresar lo que siento en ese momento y lo que está en mi corazón. Al principio, yo tengo una imagen en mi cabeza. Me digo a mí mismo, sé que va a salir así. La expresión es de un tiempo pasado. Algo a lo largo de las líneas de deseo, supongo. «Fan Ho

«La técnica es algo que todos pueden hacer. Si quieres tomar tu fotografía a un nivel superior, debes decir algo. Mover algo. Debes sentirlo cuando haces la fotografía y esto te llevará a un nivel más alto. La fotografía tiene que ser inquietante y tiene que valer la pena. «Fan Ho

«Debes tener la sensación y obtener una respuesta del sujeto que estás fotografiando. En ese momento se debe cuidar, respirar y amar el universo – no es sólo de hacer un cuadro hermoso. Pongo toda mi vida en una sola fotografía. «Fan Ho

Raghu Rai

Mientras que escribía esta entrada estaba escuchando a Sarah Chang tocando Sibelius Concierto de violín en re menor, que me llenó de una emoción que resonó maravillosamente con la imagen tomada por el fotógrafo indio Raghu Rai. Para una entrevista con él en inglés, haz clic aquí.

«… estilos vienen y desaparecen. Yo no creo en los estilos. Creo en la comprensión simple, directa y honesta – y en capturarla con la verdad y la integridad total, de modo que se mantiene viva por sí misma siempre «Raghu Rai.